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10 jóvenes artistas exponen sus obras en ART<35 BS 2016

Hasta el 29 de septiembre se puede visitar la muestra que reúne el trabajo de diez jóvenes artistas menores de 35 años.

Art<35 BS 2016 es un concurso convocado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, organizado por la Asociación Art<35 y que cuenta con la colaboración de la galería Trama, la Sala Parés y la Fundación Banco Sabadell, con el objetivo de seleccionar a artistas para participar en una exposición centrada en la creación joven y darles así la oportunidad de exponer sus trabajos.

Durante todo el mes de septiembre se podrá visitar en la Sala Parés de Barcelona esta muestra que recoge el trabajo de diez jóvenes artistas menores de 35 años que han cursado o cursan estudios en alguna de las facultades de Bellas Artes de España y que han finalizado el primer ciclo de formación.

Los finalistas han sido escogidos por un jurado compuesto por: Ignasi Alballí, artista; Sergi Aguilar, artista y director de la Fundación Suñol (presidente del jurado); Miquel Molins, presidente de la Fundación Banco Sabadell; Concha de Aizpuru, galería Juana de Aizpuru de Madrid; Tomas Bañuelos, subdecano de estudiantes y salidas profesionales de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid; Ferran Barenblit, director del MACBA; José Luis Cueto Lominchar, decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia; Joan Anton Maragall, galerista de la Sala Parés y de la Galería Trama; Frederic Montornés, crítico de arte y comisario de exposiciones; Mar Redondo Arolas, subdecana de cultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona; Natxo Rodríguez Arkaute, subdecano de extensión universitaria de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco; y Josep Santacreu Bonjoch, consejero delegado de DKV Seguros Médicos.

Conoce las 10 obras y sus artistas

Yosman Botero es un artista visual colombiano que se distingue por su fluidez a la hora de combinar diferentes lenguajes, técnicas y conceptos en cada uno de sus proyectos. Su obra, a través de la fragmentación del fusil y la creación de nuevos tótems, apela a una nueva estética cargada de simbolismos y alusiones a una colonización del estado frente a la que, en su día, fue la civilización precolombina. En definitiva, recrea objetos de orfebrería a partir de la repetición de la imagen de un fusil que sobrepone y entrelaza formando elegantes composiciones.

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Postcolombino 12, 2016 / Collage digital / 90 x 90 cm

Nico Brunet Martí, de Barcelona, presenta unas pinturas que son el resultado de su búsqueda para encontrar un lenguaje personal que exprese el efecto del bombardeo informativo de carácter violento y catastrófico al que estamos sometidos. Sus composiciones son como pantallas de gran formato donde se acumulan pinceladas gestuales, formas y planos que aluden al caos y a la destrucción.

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Pequeño accidente insignificante, 2016 / Técnica mixta sobre tela / 160 x 130 cm

Ana Císcar es una artista valenciana que explora, a través de su obra, el valor de la imagen y su potencial narrativo. En la serie ‘Narración y sabotaje’ se adentra en la tensión que proviene de atribuir a la fotografía documental la cualidad de representación fiel de la realidad y contraponerla al carácter interpretativo, de narración construida, que se otorga a las artes. Parte de la apropiación de fotografías antiguas, de archivo y prensa, que traslada al lenguaje plástico desdibujando, recomponiendo y yuxtaponiendo los originales ampliados. El resultado son pinturas híbridas que, si bien conservan el aspecto de documento de la realidad, se han vuelto ambiguas. La intervención de la artista ha descontextualizado las imágenes y, al mismo tiempo, ha creado discontinuidades que instan al espectador a interrogarse sobre el sentido de lo que ve.

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Narración y sabotaje, 2016 / Díptico / Aceite y espray sobre madera / 50 x 97 cm

Manuel Diego Sánchez, de Madrid, presenta una muestra de su trabajo sobre la memoria histórica y la migración. Este proyecto parte de documentos gráficos relativos a la diáspora vasca en EE.UU., y el resultado son fotografías de emigrantes intervenidas con recursos plásticos sencillos, pero que tienen diversas lecturas complementarias.

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Borders, 2016 / Pintura acrílica sobre fotografía / 35 x 50 cm

Miguel Marina es un artista madrileño que sitúa en sus obras el límite entre la figuración y la abstracción pictóricas. Forman parte de la serie ‘La trampa del lobo’, un proyecto que se inspira en el paisaje espacial y su representación adentrándose en temas como la escala, la distancia y la luz. Sus composiciones, así como los elementos que las conforman, actúan de manera diferente en función de la proximidad o la lejanía. La superficie accidentada y las diferentes cualidades que proporcionan los materiales, vistos de cerca se transforman en cuerpos celestes; en luz y espacio, cuando nos alejamos de ellos.

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Sin título, 2015 / Serie “La trampa del lobo” / Pintura en espray y aceite sobre tela / 61 x 50 cm

Guillermo Ros, de Vinalesa (Valencia), se centra en el papel de la realidad física y de la virtual en nuestra manera de entender el mundo. Las obras que presenta en Art<35 BS corresponden a dos series que tratan de la experiencia directa y de la mediatizada a partir de establecer relaciones conceptuales entre objetos esculturales y sus imágenes. Así, en estas obras, la contraposición entre objeto e imagen se convierte en una metáfora a diferentes niveles: la suplantación de la realidad por la omnipresencia de la imagen virtual, la dicotomía natural-artificial, así como la reivindicación de una mirada crítica en el modo de entender la realidad a partir de recuperar la experiencia directa.

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2/3 Serie #nofilters, 2016 / Copia Ultrachrome en papel fotográfico brillante laminado UV mate de protección, montada en dibond de 2 mm. Mármol de Calatorao policromado con pintura sintética y para carrocería / 95 x 65 x 10 cm

José Salguero Llánez, de Madrid, presenta una producción en la que mezcla recursos narrativos de la ilustración, el cómic y el cine. Las pinturas que presenta se fijan en la agresividad de la cultura de entretenimiento destinada al público infantil y juvenil, recurriendo a personajes populares del mundo de la animación que, en sus manos, revelan un aspecto sorprendentemente perverso.

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Terror en el parque de atracciones, 2014 / Aceite sobre tela / 19 x 29 cm c/u

Carlos Miguel Sánchez, de Cáceres, exhibe una instalación en la que reflexionada sobre la naturaleza del objeto artístico, el proceso de creación y el papel del arte. Sus composiciones integran elementos de desecho de la construcción y materiales de vida efímera. Azulejos, diversos tipos de soportes, piezas de pladur y cañerías le ofrecen la oportunidad de repensar la composición desde los atributos esenciales de la pintura (color y superficie), del dibujo (trazo y plano), de la escultura y de la arquitectura (organización del espacio) descubriendo relaciones que subvierten los límites entre los diferentes lenguajes para crear otros nuevos.

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EL IMPERIO ¡Traje nuevo, letrero nuevo!, 2016 / Acción – instalación / Hierro, cinta adhesiva y luces led / Medidas variables

Tura Sanz Sanglas, de Ordis (Gerona), presenta ‘Florits’, una serie inspirada en las flores secadas entre las hojas de un cuaderno, y la huella que dejan, a partir de las cuales reflexiona sobre la representación de la realidad. La artista aprovecha la propiedad acuosa y transparente de la acuarela para presentar con gran realismo la calidad translúcida de los pétalos, así como de la mancha producida por los fluidos desprendidos durante el proceso de prensado. En cambio, introduce un contrapunto a la verosimilitud de las pinturas cuando omite el pliegue de la hoja a partir del cual se explicaría la proyección simétrica de la flor. Esta paradoja da una gran ambigüedad a la imagen.

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Florits, 2015 / Acuarela sobre papel / 27 x 37,5 cm

Isabel Servera, artista mallorquina, muestra un trabajo que surge del convencimiento de que el arte no tiene una utilidad concreta, no es esencial y, por tanto, es prescindible. Al absolver la obra de toda trascendencia, la artista queda liberada de tener que dotarla de significado, personalidad u originalidad. Así, puede concentrarse en la realización y las cuestiones que van relacionadas con la práctica artística, y experimentar con lenguajes y materiales. La repetición de motivos, el uso de recursos no especializados, así como la laboriosa ejecución crean un diálogo que desdibuja los límites entre las manualidades, la artesanía, la mecanización y el arte, colocando el acento en la automatización.

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Sin título 3, 2011-2015 / 14178 piezas de papel unidas entre si / 100 x 70 cm